Версия на русском языке ниже
Exclusively for AS agency
Surprisingly, in a world of hypertrophied tolerance and freedom of expression, the old saying that “you know people by what they wear” is still relevant. The way we look and dress really does affect the overall impression of us. This has always been the case, continues to be so and will always be, in every sphere of life. Clothing has always been and always will be a language of communication, a way of self-expression and a status marker. An artist’s style - what is it? Does it exist as such, as a separate, distinct style?
We spoke to fashion researcher Tim Ilyasov and he answered a few intriguing questions about the artist’s style and fashion.
Is there any kind of established dress code in the art environment? Both for artists, employees of the art sector and for visitors?
There is not and cannot be a fixed regulation or dress code in the art environment. Because the dress code is a situation of universal presentation, and the art world distances itself from universality, from any clear and predictable solutions, because the artist has to be unique not only in their work, but also in the way they look.
Therefore, of course, there is no dress code for artists, there is none. When we talk about galleries as social spaces, the same rules apply as at any other social event. If you are invited to a vernissage, to the opening of an exhibition, then the dress code is “cocktail” after five in the evening, no sports. It can be very comfortable or smart casual, why not.
The main thing is not to be too formal, because it is important to realise that creative art events and vernissages (even if it is an exhibition opening within the Biennale, for example in Venice) are not ultra-dressy events.
It is a space where people walk around, maybe with a glass of wine, but not sitting at tables or in armchairs, so it should not be very dressy, very solemn and glittering with bright jewellery.
There is a perception that artists tend to wear black to exhibitions.
Why is that?
Black colour conceals, hides. Black is very convenient when you want to say nothing with your appearance, but say, hey, look at my work, my creativity, my art. That’s what’s important. Artist\s personality is important, but what they wear is not so important.
So, yeah, simply, an all-purpose black outfit is such a common means of escape. Because a lot of artists don’t really like publicity. It’s easy to hide in black, to protect yourself a little bit. And on the other hand, black is a way of separating oneself from their art, not in the sense of separating their personality, but in the sense that the art is separate and the artist’s look is separate.
What can you recommend to artists to wear to openings?
I think there is no such thing as a universal recommendation, and unfortunately or fortunately there cannot be, because all people are different, all artists are different. Some are more reserved and do not like publicity and socialising, and do not like small talking. While others, on the other hand, are easily drawn into the social life, are easily swimming in it. Some want to be more bohemian, a bit more detached, and wear, for example, massive drab coats. Others, on the other hand, want to be more elegant and reserved. No, there can't be a one-size-fits-all approach.
My recommendation is to look the way you want to feel. Not trying to break yourself, not trying to look special. Because being yourself, being who you are, not creating a false impression of yourself, of your work, but a real one, is the most important thing for an artist. That’s the value.
How to make a positive first impression at the first important gallery meeting?
Let’s be realistic: to make a good, positive impression in a meeting with a gallerist, it should be the artist’s agent speaking, not the artist themselves. An agent can represent the artist effectively, ensuring a strong and undeniably positive impression. In general, it's not ideal for an artist to communicate directly with important people like buyers or gallery owners. Artists can be too emotional or, conversely, too unemotional. Therefore, the artist should remain a kind of magical figure, working in their studio and living in the world of ideas, while competent representatives handle interactions with galleries and buyers.
Having an agent as an intermediary between the artist and the gallery, between the artist and the buyer, and between the artist and everyone else, creates an image of success. This arrangement eliminates potential conflicts and allows the artist to dress however they please, whether in a drab chlamyda, a jacket, branded attire, or non-branded clothes. The artist should focus on their creative work, while someone else — be it a partner, spouse, or agent — handles the business side of things.
What exactly should you avoid if you want to position yourself as a professional artist?
If you want to position yourself as a professional artist, there are specific things you should definitely avoid. One major pitfall is excessive normality or normcore, as well as an overly rich image. Appearing in highly recognizable luxury brands, such as Van Cleef & Arpels jewelry (like the Alhambra collection), a Chanel 255 bag, or Hermès accessories, can undermine your image.
Wearing readable, recognizable luxury brands or jewelry is something to avoid unless you can redefine them in a unique way. For example, you might carry a Louis Vuitton bag that’s been covered in paint or wear an Alhambra necklace from Van Cleef & Arpels that's been altered or repurposed creatively, such as wrapped around your pants. This approach aligns with the artistic image rather than appearing ultra-luxurious or overly branded.
Furthermore, avoid looking too formal, too normal, or too conservative. As an artist, you are the primary brand, and everything else should complement your identity as an artist. The goal is to maintain an image that reflects your creativity and uniqueness without overshadowing it with overt displays of wealth or conformity.
Shouldn’t an artist be trendy and branded when it comes to accessories, such as shoes or a bag, and instead make something super unusual?
No, neither trendy nor branded. If an artist follows trends, they are secondary. You see, following any trend is secondary, an artist has no right to be secondary. A real artist creates a new way of looking at the world, a new way of looking at things, a new way of looking at whatever. Trends are secondary.
Brands are the same. An artist in leggings is a brand. People should want him or her. People should want to be around them, not the brand. So by no means be in touch with big recognisable things, and big recognisable brands. Don’t be associated with trends, stay above them, create your own trends. Then you're valuable in that sense.
I’m not sure about creating something super unusual yourself. It can be some things you buy in shops, but it should be conceptual, not primitive, it should be some unique combination. Well, I mean, it's bad to wear a Dior full bow or a Chanel full bow – it’s nonsense, it's horrible, even if it's a rich artist that has money for it.
No, you can’t do that.
Significance of accessories and details. For instance, are clean fingernails and manicure of the artist important, or can still be omitted?
The importance of accessories and details cannot be overstated. Details draw attention and become focal points for discussion. For an artist, creating a recognizable, readable, and tangible image is crucial, and this image is composed of various details.
These details can include a distinctive hairstyle, a manicure, or specific accessories like a brooch or a signature scarf. Perhaps the artist consistently wears wide-shouldered jackets or, conversely, very narrow garments. For example, if the artist is very thin and emphasizes this by always wearing long clothing, or if they always sport colorful socks or a gray hat.
Accessories and details play a vital role and are often more memorable than a face. While only very distinctive faces are remembered immediately, most people struggle to remember faces in general. However, they do remember details and nuances. For instance, a person in red socks or someone with a feather in their hat will be remembered, whereas an abstract person dressed in black will not.
Therefore, clean fingernails and a manicure are important as part of these memorable details. These small elements contribute to the overall impression and recognition of the artist’s unique image.
What to choose: vintage brooches and beads, a branded YSL or Gucci belt from the 80’s, or to make do with a simple democratic tote bag and jeans?
When deciding what to choose, consider the following options: vintage brooches and beads, a branded YSL or Gucci belt from the 80s, or a simple democratic tote bag and jeans.
Avoid a Saint Laurent branded belt. However, an 80s Gucci belt can work if it is integrated into your style in a unique and unconventional way. Generally, any vintage item, even if branded, can be suitable if it is detached from the brand’s typical context and incorporated creatively into your artistic style. That said, a canvas tote bag is often the best, safest, and most appropriate choice.
The most important thing in an artist's style is to avoid banality, secondary choices, and primitiveness. Your goal should be to create a unique, personal image that reflects your individuality. This means running from the ordinary and the primitive, and instead, cultivating a distinctive and memorable style.
Interviewed by: Anya Znaenok and Lisa Shtormit
Edited and translated by Anya Znaenok
Рубрика “Гость говорит”
Исследователь моды Тим Ильясов о дресс-коде художника: “Самое главное – бежать от банальности, вторичности и примитивности”
Эксклюзивно для AS agency
Удивительно, но набившая оскомину в детстве поговорка о том, что “встречают по одежке”, актуальна и сейчас, в мире гипертрофированной толерантности и свободы самовыражения. То, как мы выглядим и одеваемся, действительно влияет на целое впечатление о нас. Так было, есть и будет в любой сфере деятельности. Одежда всегда была и будет языком коммуникации, способом самовыражения и неким статусным маркером. Стиль художника - что это? Существует ли он как таковой, отдельный, особый стиль?
Мы попросили исследователя моды Тима Ильясова ответить на несколько интересующих нас вопросов о стиле и моде художника.
Есть ли какой-то устоявшийся регламент, дресс код в арт-среде. Как для художников, работников художественной среды, так и для посетителей?
Никакого устоявшегося регламента или дресс-кода в художественной среде нет и быть не может, потому что дресс-код — это ситуация универсального внешнего вида, тогда как арт-среда бежит от универсальности, от предсказуемых решений. Художник должен быть уникален не только в своем творчестве, но и в своем внешнем виде.
Поэтому, конечно же, не существует никакого дресс-кода для художников. Если же говорить о галереях как о светском пространстве, то здесь для посетителей действуют те же правила, что и на любом другом светском мероприятии. Если вы приглашены на открытие выставки, то дресс-код «Коктейль» (и точно без спорта) будет уместен, также как и smart casual.
Главное, не одевайтесь слишком формально или слишком нарядно, важно понимать, что творческие художественные мероприятия и вернисажи, даже если это открытие выставки в рамках Biennale в Венеции, это все-таки не ультраторжественные мероприятия, не балы и не красные ковровые дорожки.
Есть впечатление, что художники на открытиях обожают надевать в основном черное. Почему?
Чёрный цвет скрывает, прячет. В чёрном очень удобно ничего не сообщать своим внешним видом. Художник в черном заявлет, что важны его работы, творчество, искусство. Важна его личность реализованная в работах, а не во внешнем виде.
К тому же простой универсальный черный комплект, – это средство спасения. Многие художники на самом деле не очень любят публичность и в черном легко спрятаться, укрыться, он тебя защищает, при этом, с другой стороны, черный в одежде хужожника - как бы отгораживание себя от своего творчества. Искусство отдельно, а мой внешний вид – отдельно.
Что можно порекомендовать художникам носить на вернисажи?
Я думаю, здесь нет универсальных рекомендаций и, к сожалению или к счастью, быть не может, потому что все люди разные, все художники разные. Одни более замкнутые и не слишком любящие публичность и общение, а другие, напротив, легко внедряются в светскую жизнь, легко в ней плавают. Кому-то хочется быть более богемным и отрешенным, носить, например, массивные винтажные плащи, кому-то, напротив, хочется выглядеть более элегантно и сдержанно. Нет, не может быть универсального рецепта.
Я рекомендую выглядеть так, как хочется себя ощущать. Не пытаться себя переломить, не пытаться выглядеть как-то особенно. Самое важное для художника — это быть собой, быть самодостаточной личностью, быть тем, кто он есть, создавать не ложное впечатление о себе, о своем творчестве, а реальное. В этом ценность.
Как произвести первое положительное впечатление на первой важной встрече с галеристом?
Ну, давайте будем объективными. Чтобы произвести хорошее положительное впечатление на встрече с галеристом, должен говорить не художник, а его агент. Тогда вы точно произведете хорошее, бесспорно хорошее впечатление. В противном случае художник может наговорить чего-нибудь лишнего.
Вообще, я не считаю правильным художнику напрямую коммуницировать с важными контрагентами, например, с покупателями или с галеристами, потому что художник — человек эмоциональный или наоборот безэмоциональный. Он создает искусство. Когда художник превращается в менеджера или торговца своего искусства, теряется магия. Я полагаю, что художник должен быть волшебным существом, сидящим на своей волшебной высокой горе, в мире идей, а с галереями должны говорить компетентные люди. Агенты, например. Между художником и галереей, между художником и покупателем, между художником и кем угодно еще обязательно должна быть прослойка в виде агента. Помните, что искусство это не только само по себе произведение как таковое, но и контекст, который его окружает.
Художник может быть одет во что угодно. В драную хламиду, в пиджак, в брендовые вещи, не в брендовые вещи, в какие угодно вещи, но не должен вести дела. Это должен быть кто-то еще — его партнер, муж, жена, агент, кто угодно.
Чего точно нужно избегать если ты хочешь позиционировать себя как профессиональный художник?
Полагаю, что точно нужно избегать излишней нормальности и очень богатого образа. Ну, если вы сразу появляетесь в Van Cleef & Arpels, в типичных каких-нибудь узнаваемых украшениях, типа Alhambra, или у вас сумка Chanel 2.55, или тем более Hermès, всё, вы сразу как бы падаете в глазах любого контарента как настоящий хужожник, вы тут же начинаете выглядеть как богатый любитель.
Вы не можете быть в читаемых, узнаваемых, люксовых брендах, в читаемых, узнаваемых, люксовых украшениях. В крайнем случае, вы должны их так как-то переосмыслить. То есть художник может носить сумку Louis Vuitton только переосмыслив ее, замазав ее краской, наппример. Вы можете носить колье Alhambra и Van Cleef & Arpels только тогда, когда максимально нивелируете его статусную конкцепцию, не знаю, обматываете вокруг трусов. В общем, важно даже узнаваевые вещи выносить из их родного контекста и переносить в свой контекст, делать их частью своего художественного мира.
Нельзя ни в коем случае выглядеть ультрароскошно и активно демонстрировать бренды, потому что главный бренд — это вы, как художник, а все остальное вокруг вас должно быть частью вашей художественной вселенной. Слишком формально, слишком нормально, слишком консервативно тоже выглядеть не стоит.
Аксессуары, или например, обувь или сумка, не должны быть у художника трендовыми и брендовыми, и лучше сделать что-то супер необычное самому?
Нет, ни трендовыми, ни брендовыми. Если художник следует трендам, то он вторичен. Понимаете, следование любому тренду, это вторичность, художник не имеет права быть вторичным. Настоящий художник создает новый взгляд на мир, новый взгляд на вещи, новый взгляд на что угодно. А тренд — это вторичность.
Бренд то же самое. Художник – бренд. Люди должны хотеть его. Люди должны хотеть быть рядом с ним, а не с каким-то другим брендом. Поэтому ни в коем случае не соприкасаться с большими узнаваемыми вещами, с большими узнаваемыми брендами. Не соприкасаться с трендами, быть выше трендов, создавать свои тренды. Тогда ты ценен, как художник.
Насчет создания чего-то супер необычного самому - не уверен. Если такое рукоделие - часть вашей концепции, почему бы и нет, но это могут быть и вещи, купленные в магазинах, но они должны быть концептуальными или винтажными, не примитивными, или то должно быть какое-то уникальное сочетание. Плохо надеть тотал лук Dior (или любого другого бренда) — это нонсенс для художника, это ужасно, даже если у него есть деньги на это.
Нет, так нельзя.
Важность аксессуаров и деталей. Например, чистые ногти и маникюр у художника важны, или все же можно опустить?
Детали действительно важны, на них обращают внимание, за них цепляется взгляд, о них хочется говорить и хочется обсуждать. Больше того, художнику важно создать свой читаемый образ. Он может быть любым, но он должен быть узнаваемым, читаемым, осязаемым. И образ, конечно же, складывается из деталей. Это может быть прическа, это может быть маникюр, это может быть какой-то аксессуар, брошь или, допустим, шарф или какой-то тип костюма. Может быть, всегда широкоплечие пиджаки или, наоборот, всегда очень узкие вещи, если, например, художник очень худ и свою худобу подчеркивает. Или это могут быть цветные носки, или всегда серая шляпа, не важно. Аксессуары и детали очень важны, они порой запоминаются больше, чем ваше лицо. Только очень характерные лица запоминаются сразу, большинство людей плохо запоминают лица, а вот детали, нюансы запомнят. Человек в красных носках или человек с пером в голове запомнится, а просто какой-то абстрактный человек в чёрном не запомнится.
Что выбрать: винтажные брошки и бусы, брендовый пояс YSL или Gucci 80-х или обойтись простой демократичной tote сумкой и джинсами?
Брендовый пояс Saint Laurent — нет. Gucci 80-х может быть, если он круто обыгран и как-то замиксован, интегрирован необычно в стиль. Вообще любой винтаж, даже если это брендовый винтаж, важно перемещать в контекст стиля самого художника. Холщовая сумка - отличный вариант, самый безопасный.
В целом же, самое главное в стиле для художника — бежать от банальности, бежать от вторичности, бежать от примитивности. Создавать уникальный, собственный образ, который будет говорить о нем. Вот, что важно.
Вопросы: Аня Знаенок и Лиза Штормит
Редактура и перевод Аня Знаенок
теперь появляется вопрос - откуда у художника берется агент...